Vår virtuella konstutställning

Es12 - Vår virtuella konstutställning!

 

 Eugene Ivanonv - Totalitär Television 

 

Gor Soudan är en begreppslig konstnär som bor och arbetar i Kisumu och Nairobi. När han gör sina konstverk så tar han hjälp av kartonger, papperslappar, plastpåsar, gamla tidningar och på senaste tiden har han använt sig av tråd vilket ni ser på bilden. Bilden ni ser kommer från hans serie som kallas ”Eatings” som är innebörden av de ekonomiska, politiska och sociala variationer. Sedan har han två andra serier som heter ”Crow Series” och ”Angry Birds”, ”Crow Series” innehållet verk som handlar om makt. Han utforskar livet av de som inte är fria, de som sitter i ett hörn på en fest och bara tittar på tillexempel, han undersöker också hur en kraftfull människa fattar beslut och gör sedan konstverk utav det.
Hans tredje serie ”Angry Birds” är dystra verk utav kråkor gjorda utav svarta plastpåsar.

Gor Soudan

Rah Crawford är en visuellkonstnär som kommer ifrån Philadelphia. Crawford använder sig utav oljefärger och digitala verktyg i hans konst. Hans målningar är färgstarka och säger mycket. Crawford har gjort många olika målningar men jag fastnade för en speciell målning. Eternal Kiss.                                                     

Eternal Kiss är en känslofylld och vacker målning av Crawford. Bilden är en oljemålning blandad med digital teknik och konst. Målningen är ifrån år 2012 och är en popkonst.

Det är en färgglad och känslofull bild. Målningen är på sitt sätt ganska rörig, men det tycker jag ger bilden liv. I målningen ser vi blommor i olika färger, storlekar och mönster med mer. Blommorna ramar sig runt det kärleksfulla paret tillsammans med en rad olika korta uttryck och ord.

Jag tycker att bilden får ett djup tack vare de olika blandningarna och nyanserna av färgerna. Färgerna är starka vilket väcker många känslor när man beskådar den. Bilden har en vacker stil och liknar lite en graffiti målning.

Bilden får mig att tänka på en första kyss mellan två människor. Spänningen, nervositeten, intimiteten och känslorna som väcks. Så tillsammans med blommorna, djupet och färgerna, tolkar jag att blommorna och texterna på något sätt ska uttrycka allt det som sker i tankar och inom en när en första kyss med någon sker.  

Målningen fångade snabbt mitt intresse med de vackra färgerna och djupet. Bilden är mycket känslofylld vilket gör den mer intressant. 

Människan och Pegasus

Människan och Pegasus är en skulptur skapad av Carl Milles år 1949. Verket är placerat i Slottsparken i Malmö på cirka 10 meters höjd. Carl Milles var verksam i både USA och Europa och Människan och Pegasus är ett av hans många verk i monumentformat.

Skulpturen föreställer en häst som på sin väg mot Olympen följs åt av en yngling och hur de tillsammans flyger mot himmelen. Där blir de symboler för rätten till konstens och tankens frihet. Skulpturen kom även att bli en symbol för ansökan om att arrangera sommar-OS 2004 i Stockholm. Detta bidrog dock till att en man försökte spränga skulpturen 1998.

Skulpturen är gjord i hårda material som granit och brons och blev som Milles tidigare verk upplyft från marken. När han gjorde skulpturen lånade han stildrag och inspirerades av grekisk arkaisk, etruskisk konst och utomeuropeiska kulturer.

Anledningen till att jag valde Människan och Pegasus är för att jag tyckte att den såg väldigt häftig ut och jag imponerades av att människan och hästen sitter ihop med bara en fot. Jag hade aldrig sett verket förut men jag tycker verkligen att den var häftig och samtidigt har den varit med om så mycket.  

"Fami-home" by Guillaume Biji

"Fami-home" by Guillaume Biji

Installationen är skapad av den belgiske konstnären Guillaume Bijl och fotad av Marranzano. 

Den ställdes ut i den tidigare utställningsbyggnaden The Belgian Pavilion 1988 i Venice. 

 

Guillaume Biji föddes 1946 i Antwerp, Belgien. 

Han studerade teater och är en självlärd konstnär och har arbetat successivt som scenograf och konstnär.

 

Som konstnär utforskar han avgränsningarna mellan konst och (social) verklighet. I sina installationer skapar han miljöer med materal som "vi alla har upplevt" t.ex. skoaffär eller körskola. På så sätt skapar han en "verkligen inom en verklighet" inom hans arbete.

Han gjorde sin första installation 1979 på en körskola i Antwerp.

Fakta om installationen & konstnären

Min tolkning av verket

Installationen skrämmer mig, den får mig att känna obehag. 

Huset i bakgrunden är hemlighetsfullt; vem lever här? Finns det någon inne i huset? Vad händer innanför dessa väggar?

fokus finns ett djur, likt en åsna, men först tolkade jag den som en påskhare eller ett lamm innan jag såg närmare på öronen som mer liknar en åsnas. För mig är djuret levande, den ser ut att stå stilla på installationen just för att vi tittar på den men den ser mystisk och hemlighetsfull ut som om den lurar oss. 

Jag valde denna surrealistiska installation just för att den var mystisk och fick mig att undra och och fundera. Det känns som om jag sett bilden förut och det gjorde den ännu mer gåtfull. Den påminner mig om barnsagor som "Hans och Greta", som också verkar väldigt oskyldig men skapar ett slags obehag. 

För mig symboliserar installationen ingenting speciellt, den är bara estetisk genomtänkt och är tänkt att väcka oro och nyfikenhet.  

 

Marina Olenjina

Ett monument i vit marmor tillägnat Marina Mikhailovna Olenjina som grundade den Serbiska nationalteaterns balett 1950. Skulpturen föreställande Marina Olenjina skapades år 2010 då det firades sextioårsjubileum av Serbiska nationalbaletten. Konstverket skulpterades av Laszlo Silađi en duktig konstnär och är i stilen modern realism.

 

 

Serbien var någotsånär självständigt i slutet på 1800-talet och man tycker att grundandet av en nationalteater borde kommit tidigare. Men då 1:a världskriget utbröt 1914 och 2:a världskrigets slut skedde 1945 så blir grundandet 1950 plötsligt en rask spurt. 

Mitt första möte med denna vita staty var hösten 2011 då jag deltog i danstävlingen Dancefest Novi Sad där jag tillsammans med dansgruppen Art Stars tävlade i contemporary. Då jag såg statyn på bild var det igenkännandet och nostalgi som drog mej till att välja verket. Även om den enskilda medborgaren inte har en personlig koppling till statyn är den trots allt vacker att titta på och den är gjord för en fin sak. Olenjinas grundande av den Serbiska baletten symboliserade utveckling och framsteg och denna staty är ett minne av detta och bidrar till en fortsatt framtidstro. 

Marina Olenjina

"We Can Do It!"

 ”We Can Do It!” also known as

“Rosie the Riveter” was produced by J. Howard Miller in 1943. The poster was made during World War ll but was rediscovered in the 1980’s.

Today this has become a famous icon of female patriotism from World Ward ll. Woman during the war took wartime jobs but after the war they were forced to hand over their jobs to veterans.

I think this is an inspiring photo that shows that girls have the will and are also capable to get the job done! Seeing this picture and reading the title you recieve the feeling shes is sending, will and hope. To me she looks angry yet proud and also independent wich makes it even more clear to understand.

Salvation Mountain

tta enorma konstverk ligger i Colorado Desert, täckt av färg,bibliska texter och mönster gör att berget som konstverket är utformat av kommer till liv och väcker förundran. Konstverket har varit under uppbyggnad mellan 1931-2014. 

 

  • Leonards gåva och hyllning GOD IS LOVE.
  • 15 meter högt och 45 meter brett. 
  • Detta är den andra uppbyggnaden av berget efter att de första gånget rasade samman. 

Foto av Joe Decruyenaere

 

Leonard Knight född 1 november 1931 i vermont USA. 

Tidigare bott i sin bil med nåra hemlösa katter utan namn och det är detta levnadssätt som han beskriver med sitt motto "Love jusus and keep it simple". 

 

Han ville inte bli kallad konstnär då det han gjorde var att uttrycka sina känslor på ett uppseendeväckande sätt. 

 

Analys:

För min del så visar denna skulptur en människa som vet vad han vill och tror på, och han gör sitt för att nå ut, utan att tvinga folk till samma tro som han själv.

 

Konstverket låter oss skapa vår egen ide om vad vi tycker att berget står för. För mig känns det som en frihetssymbol och kanske en kraftkälla. Berget är skapat utefter Knights själ och detta speglas tydligt i utformningen, färgerna och texterna i denna skulptur. 

Leonard Knight

Foto av Joe Decruyenaere

 

Sphinx är en staty av den brittiska modellen Kate Moss och den gjordes år 2006 av Marc Quinn. Quinn är en brittisk konstnär och är mest känd för Lapper Pregnant, som är en skulptur av Alison Lapper. Self är också ett känt verk av honomdär han har använt sitt egna frusna blod till att skapa en staty av sitt huvud.

 

Marc Quinn föddes samt växte upp i London 1964. Han studerade konsthistoria och historia och han var Barry Flanagans assistent innan han började skapa egna verk.

 

Statyn visar Kate Moss i en väldigt komplicerad yogaposition som i själva verket utfördes av en mer professionell yogautövare, fast att måtten på skulpturens kropp stämmer med Kate Moss egna.

 

Sphinx

Luci di Nara 

 

Luci di Nara är skulpturerad av Igor Mitoraj. Den ställdes ut på museet Beeld Scheveningen i Nederländerna 2004.

Igor Mitoraj föddes 1944 och var en polsk konstnär. Mitorajs konststil har rötter från den klassiska traditionen som fokuserar på en väl modellerad torso. I hans skulpturer införde han också en postmodern twist, där inget egentligen är rätt och fel. Igenom sin tid har han främst arbetat med material som terrakotta, brons och marmor.

Skulpturen är tillverkad i brons och är ett postmodernistiskt- och surrealistiskt konstverk. Att den är skapad i brons innebär att den är gjuten i en form. 

För mig symboliserar verket den mask som vi alla bär, och de roller vi spelar i livet. Uttrycket att hålla masken används ofta då vi inte vill avslöja vad vi egentligen tänker och tycker. En tappad mask eller ett tappat ansikte avslöjar människans sanna identitet.


 

Jag såg Sphinx för första gången i Folketeaterpassasjen i Norges huvudstad Oslo. Statyn är cirka 2,5-3 meter hög, vilket gör det omöjligt att undvika den.

 

Jag gillar att den befinner sig i en ganska vanlig och trist miljö vid restauranger och fik för Moss lyfter hela passagen. Statyn syns utifrån gatan och folk blir nyfikna på vad som finns därinne.

Bild av Sally Mann

Luci di Nara
Av: Igor Mitoraj
 

 

Luci di Nara

Luci di Nara är skulpturerad av Igor Mitoraj. Den ställdes ut på museet Beeld Scheveningen i Nederländerna 2004.

Igor Mitoraj föddes 1944 och var en polsk konstnär. Mitorajs konststil har rötter från den klassiska traditionen som fokuserar på en väl modellerad torso. I hans skulpturer införde han också en postmodern twist, där inget egentligen är rätt och fel. Igenom sin tid har han främst arbetat med material som terrakotta, brons och marmor.

Skulpturen är tillverkad i brons och är ett postmodernistiskt- och surrealistiskt konstverk. Att den är skapad i brons, innebär att den gjuten i en form.  

För mig symboliserar verket den mask som vi alla bär, och de roller vi spelar i livet. Uttrycket att hålla masken används ofta då vi inte vill avslöja vad vi egentligen tänker och tycker. En tappad mask eller ett tappat ansikte avslöjar människans sanna identitet. 

Luci di Nara
Av: Igor Mitoraj 

Jag valde Luci di Nara för att den är estetisk vacker. Skulpturen/ ansiktet utstrålar ett lugn, vilket tilltalar mig. Under en vistelse i Krakow, Polen såg jag ett annat verk av Igor Mitoraj, Eros Bentado. Den är också fängslande, men inte lika vacker som Luci di Nara. Eros Bentado väcker motsatta känslor hos mig. Jag tycker att fler borde se Igor Mitorajs verk, eftersom de är annorlunda och skiljer sig från ”vanliga” skulpturer. Oftast förknippar man skulpturer med ”gamla kungar på hästryggar” osv.  

Luci di Nara 

Eros Bendato
Av: Igor Mitoraj

Add your descriptive paragraph for this page here.

Sally Man

född 1 Maj 1951 känd forograf från Lexington , Virginia. Hon blev mycket känd efter sina första fotografier som var på sina egna barn som var avklädda. Även intresserat sig för döden i sina bilder. Det finns stora konstsamlingar där Manns fotografier är med. Många av hennes bilder är mycket kontroversiella.Klagomål har uppstått av att hennes bilder anses vara barnporngrafiska. Mann har testat på många olika tekniker för att få fina fotografier och kopierat med egna kemikalier. Hon har inte arbetat digitalt eftersom det inte är riktigt något som passade henne och tycker det är onitressant. 

Mina tankar om bilden

Jag tycker att bilden berör, den är realistiskt och jag känner att den är verklighetstrogen. Jag ser ett barn 8-9 år, lutar sig mot ett träd. Färgerna är dystra så jag ser ingen glädje i bilden utan sorg. Barnet kan ha råkat ut för något hemskt och känner att naturen är fri är där kan hon få uttrycka sina känslor ensam. Bilder på barn påverkar mycket känslor, eftersom man ser tyldigt på dem vilket humör de är på. Bilden talar till en på ett sätt som får en att tänka mycket. Alla tolkar säkert bilden på sitt egna sätt, vilket nog är syftet. 

Vinterkväll av Eugene Ivanov

 

Tavlan är en kubistisk tavla och det ser man på att allt på något sätt har något kubiskt över sig. Även molnen som är rundade ser på något sätt fyrkantiga ut. Det är en oljemålning som är gjord med kniv på en målarduk.

 

Eugene Ivanov är en Tjeckisk konstnär och illustratör. Han jobbar mycket utifrån drömmar och omedvetande. Han målar ofta landskapsrealism och bilder av gamla staden i Prag. Han använder sig av olika uttryckssätt såsom kubism, expressionism och suprematism. Han gör illustrationer till olika böcker också. 

Hela tavlan känns som en avbild av en stad. Och efter att ha läst om Ivanov så inser jag att det förmodligen är en avbild av Prag. Jag tycker att det symboliserar ett ganska dystert Prag då man bara ser en människa i tavlan och på hur den ser ut tycker jag den ser dyster ut. Det känns som om det handlar om ett Prag där folk inte vågar vara ute och det ligger gråa moln över staden och allt är stilla. Jag får en anknytning till 2:a världskriget då folk höll sig inne för att de var rädda. Det ser nästan ut som om människan på tavlan är en orolig mamma som väntar på sitt barn. 

 

 Jag tycker att tavlan var mycket fin då det på ett sätt ser ut som ett kaos men samtidigt är det en fin tavla. Den tilltalar mig väldigt mycket då jag tycker att det är häftigt hur något kan vara så fyrkantigt men ändå förmedla mycket. Jag tycker att bilden är väldigt häftig för att konstnären visar så mycket på en relativt liten yta. Jag får verkligen en känsla av hur det är i staden. Man kan lätt leva sig in i tavlan och det är ett bra tecken. Jag tycker om tavlan för att den låter mig hitta på en bakgrundshistoria till vad tavlanvill säga. 

Vinterkväll av Eugene Ivanov 

 

”Painting is a deep love and a way of life”

David Fairrington växte upp i Texas, han målade i de flesta fallen av saker och personer som han sett i verkligheten. Han öppnade en egen design studio där han skapade allt från filmaffischer till olika konstverk.

Målningen heter MeghanShannon och är ett porträtt av verkliga personer.
Han är sedd som balettens Degas, som även han var en konstnär som Fairrington tagit efter.

Målningen är en oljemålning med en impressionism inriktning.
Impressionism konstinriktningen utgår från att måltekniken oftast är lite skissliknande men med tydliga penseldrag. När man började måla på detta sätt så började man använda sig av mer motsatsfärger, för att skapa kontraster på ett nytt sätt. 

Eftersom att målningen är ett porträtt så är den anpassad efter personerna på bilden och deras ansiktsdrag och uttryck vilket gör målningen mycket mer personlig. Målningen består av två ballerinor/väninnor som jag tycker framgår tydligt om man kollar på deras sätt att sitta och på hur målningen är uppbyggd med färger.

Jag valde detta verket då jag kände att jag ville ha en målning jag själv kunde associera mig med. När jag ser denna målning känner jag personligen att det lika gärna kunde vara en målning av mig själv. Tack vare detta kan jag känna en koppling till verket och med det så blir det mer betydelsefullt för mig. Jag tycker absolut att det är ett verk för alla att uppskatta. Målningen symboliserar både dans och vänskap för mig så jag tror att alla kan hitta en personlig tolkning för att känna samhörighet med verket.

David Fairrington.

 

Para starych Kaszubów 

Den 30 september 2006 invigdes denna gjutna bronsstaty på torget Kaszubski i Gdynia, Polen. Konstnären var Adam Dawczak-Dębicki, examinerad vid konsthögskolan i Warsawa. Hans karikatyr är av realistisk modern teknik och föreställer ett kasjubiskt par vilket ska symbolisera Jakub Scheibe och hans fru Elizabeth. Scheibe konstruerade Gdynias första skyskrapa 1928 och byggde då ett rum med fönster mot havet då hans fru ville kunna sitta och titta efter honom när han kom hem från sina fisketurer. Det är på grund av husets placering som statyn står just där den står, mitt emot skyskrapan.

 

Det var när jag var i Gdynia tidigare i år som jag fastnade för statyn. Charmen, närheten och den fina relationen mellan paret gillar jag verkligen och fastän den är enkel har den en speciell touch. Den lite skrovliga ytan som vill få oss att tänka på en huggen stenstaty förhöjer känslan av att de ska vara gamla och jag tycker det är extra fint att den inte är så perfekt och slät.

 

Att statyn dessutom inte står på ett podium, är inglasad eller på något annat sätt är otillgänglig är bra. Den står där på torget precis som att de satt där på riktigt. Man börjar nästan skapa en liten historia i huvudet om vad de skulle kunna samtala om där på bänken eller vad de ska göra senare.

 

 

 

Louice

Claude Monets målning av Näckrosor

Jag har valt att skriva lite om Claud Monets målning av näckrosor. Det är ett väldigt känt verk som han målade år 1906. Monet var en fransk konstnär som jobbade en hel del med seriemålningar, och naturmålningar. Han var speciellt förtjust i att måla sin egna trädgård med alla dess näckrosor, därav kommer denna målning.

 

Syftet med de bildserierna var att han observerade hur motivet förändrades under de olika ljusförhållandena. Seriemålningar höll han på med mellan åren 1880-1890 och det innebar att han målade av samma motiv men i olika vinklar, ljus och väder. Hans hus som låg i Giverny är ett populärt resmål för turister.

 

Jag tycker att han utnyttjar färgkombinationen på ett snyggt sätt. Färgerna smälter ihop fint. Jag tycker bilden är fin och jag tycker den är skickligt gjord. Den känns varm och harmonisk och jag känner ett slags lugn av bilden. Den är fridfull

Konstnär:
Eugene Ivanov

 

E   U   G   E   N   E       I   V   A   N   O   V

 


Eugene Ivanov föddes 1966 i Ryssland, men har levt och arbetat i Tjeckien sedan 1998. Han målar efter surrealistiska upplevelser som till exempel från drömmar han haft men också bara ur sitt undermedvetna. Han målar oftast oljemålningar och med vattenfärger, men han har också illustrerat över 100 böcker. Han har haft ett antal egna konstutställningar.

 

Hans stil är basserad på realism med stil av cubism, suprematism, expressionism men på senare tid har han testat på steampunk stilen. Hans favoritmotiv är landskap, gårdar och stadsgator.

 

Jag tror Ivanov vill förmedla en känsla som han antingen fått i en stad han besökt eller i en dröm. Målningen känns som att han har sett motivet på riktigt men ändå försökt att förvränga det för att passa in i hans stil. 

 

Jag älskar murriga oljemålningar med naturmotiv från hösten. Jag tycker att målningar som denna skänker ett lugn och ger en mysig stämning. Många kan tycka att realistisk konst är tråkig för att den inte ger lika mycket frihet till fantasin, men min fantasi väcks av målningar som denna. Jag kan se hur grannbarnen leker på gärdet medan deras mormor sitter i fönstret i närmsta huset och tittar på dem. Jag tycker att ni ska kolla in detta konstverk och själva drömma er bort en stund och känna lugnet som den ger.

 

Autumn in Pargolova

 

Mikhail Kozell

Levde: 1911-1993
Bodde: Leningrad, Ryssland
Yrke: Konstlärare och konstnär

 

Autumn in Pargolova
Målades: 1969
Motiv: Natur, landsbygd
Stil: Tidig realism med rötter i expressionismen
Teknik: Oljemålning

Gestación- Konstnären

 

 

 

Konstnären Antonio Mariño Souto är född 1935 i Havana, Cuba. Mariño Souto har tagit examen i konstdesign och journalism. Han har tagit emot 12 internationella priser och 83 nationella priser och han har även dömt flera evenemang inom journalistik och bildkonst. Konstnären är även medlem på UNESCOS konstavdelning

 

Jag älskar murriga oljemålningar med naturmotiv från hösten. Jag tycker att målningar som denna skänker ett lugn och ger en mysig stämning. Många kan tycka att realistisk konst är tråkig för att den inte ger lika mycket frihet till fantasin, men min fantasi väcks av målningar som denna. Jag kan se hur grannbarnen leker på gärdet medan deras mormor sitter i fönstret i närmsta huset och tittar på dem. Jag tycker att ni ska kolla in detta konstverk och själva drömma er bort en stund och känna lugnet som den ger.

 

Jag tror att konstnären vill lyfta fram skönheten i den fattiga landsbygden. Byggnaderna ser väldigt gamla och slitna ut, men samtidigt så är de omgivna av härliga höstträd. De mjuka färgerna symboliserar en trygg miljö, men den leriga tomma åkern tror jag visar på att de har det knapert.

 

 

Gestacón

Paulina Olowska - Crossword puzzle with lady in black coat